Erste Ausstellungsperiode: 04. November bis 04. Dezember 2026
Aufgrund der beispiellosen künstlerischen Begeisterung und der Fülle an bedeutenden Kunstwerken verlängert die Franco-Schweizer Kunstgalerie Galerie Les Koronin dieses Ereignis. Ursprünglich war die Ausstellung nur für einen Monat geplant. Aus diesem Grund erstreckt sich die Ausstellung nun ausnahmsweise über zwei aufeinanderfolgende Monate, vom 04. November 2026 bis zum 04. Januar 2027, mit zwei unterschiedlichen und sich ergänzenden Künstlergruppen.
Das Konzept: Eine feinfühlige Erkundung der zyklischen Zeit, zeitgenössischer Ruinen und dessen, was wir hinterlassen. Deshalb lädt dieser doppelte Ausstellungszeitraum die Besucher zu einer tiefen Meditation über das Gedächtnis von Orten und Materie ein. Von der Malerei über Uchronien bis hin zu visvoller kunstvoller Gestaltung enthüllt jeder Monat neue visuelle Erzählungen.
Der Abdruck auf den Körpern und das Lob der innegehaltenen Zeit
Ebenso hinterfragt diese Ausstellung auf bildnerischer Ebene das Gedächtnis durch das Prisma des Menschen und der Bewegung. Die Künstler beobachten weit mehr als eine einfache Materie. In der Tat betrachten sie die Spuren der Zeit – der Vergangenheit wie der Zukunft -, die in Körper, Haltungen und innehaltende Gesten eingraviert sind.
Folglich ist dies eine Einladung zum Lob der Langsamkeit. Es ist eine Kunst des „Innehaltens“, in der die Bewegung stoppt. Dadurch kommt das an die Oberfläche, was das Vergessen uns zu rauben sucht. Angesichts der Ruinen der vergehenden Zeit verweilt der Blick. Er fühlt und denkt neu darüber nach, was bleibt.
Der Auftakt dieser Erkundung von Bewegung und Erinnerung begrüßt die Werke von:
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Gilles Roux
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Marie Isabelle
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Valaine de Ranson
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Barbara Le Louverot
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Gilles Roux : ATLAS – 2025 100x100cm, acrylique.
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Valaine de Ranson – L’empreinte du temps et l’éloge, 150 x 155cm, 2015.
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Barbara Le Louverot, Vanités modernes (accumulation de sacs et chaussures), acrylique et plâtre sur carton épais, 80 x 55 cm, 2026.
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Marie Isabelle – La rascasse, environ 70×54 cm, Acrylique sur toile – 2014.
Gilles Roux
Gilles Georges Roux – Meta-Buchmalerei eines Quantenheiligtums
An der Schnittstelle von Grundlagenphysik und mittelalterlicher Fabel erforscht Gilles Georges Roux das Gedächtnis der Zeit. Dazu nutzt er das Prisma eines besonderen Alter Egos: Gilles de Rouxville, ein Kopistenmönch des 14. Jahrhunderts aus Cluny. Aus diesem Grund verwandeln sich in seinen Meta-Buchmalereien die riesigen Architekturen des Large Hadron Collider (LHC) am CERN in Gotische Rosetten, Kathedralen und heilige Mandalas.
Deshalb führt sein lebendiger Strich die menschliche Empfindsamkeit gegenüber der Präzision der Maschinen wieder ein. Mit seinem Hauptwerk ATLAS errichtet der Künstler den Teilchendetektor als silbernen Riesen. Seine Stahlsäulen halten die Zeit an. Schließlich ist dies eine ergreifende bildnerische Meditation über das, was das Vergessen und die Zukunft uns zu betrachten einladen.
Analyse des Werks: ATLAS von Gilles Georges Roux
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Zunächst betrachten wir das vom Künstler gewählte Hauptwerk: ATLAS (2025), ein Acrylgemälde auf Leinwand im Format 100 x 100 cm. Einerseits fängt die visuelle Komposition die geometrische Monumentalität des berühmten CERN-Detektors ein. Das Werk errichtet einen „silbernen Riesen“, dessen acht Stahlsäulen einen dunklen Himmel tragen. Auf diese Weise verwandelt sich die mechanische Struktur unter dem Pinsel in eine gotische Rosette oder ein mittelalterliches Mandala von großer Strenge.
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Darüber hinaus spielt der Künstler subtil mit thermischen und symbolischen Kontrasten. In der Tat betont der Text die Dualität dieser Architektur. Hier koexistieren die „absolute Kälte“ des Gehäuses und das „glühende Plasma“ in seinem Inneren.
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Schließlich überschreitet Gilles Georges Roux durch diese kühne Verbindung von Grundlagenphysik und Buchmalerei die einfache wissenschaftliche Illustration. Dadurch wird das Werk zu einer zeitlosen Meditation über das Gedächtnis der Maschinen und lädt zur Betrachtung unserer modernen technologischen Relikte ein.
Valaine de Ranson – Der Abdruck der Zeit und das Lob der enthüllten Weiblichkeit
Zunächst taucht uns dieses Ölgemälde von Valaine de Ranson in eine intime Betrachtung des weiblichen Körpers im Wandel der Jahre ein. Tatsächlich thematisiert die Künstlerin mit großer Behutsamkeit das Gefühl der Verletzlichkeit durch das Altern. Diese Veränderungen werden oft fälschlicherweise als Identitätsverlust wahrgenommen.
Dennoch verwandelt die Komposition diese Introspektion in eine echte Suche nach Gelassenheit. Durch einen lebendigen und großzügigen Pinselstrich werden die Spuren der Zeit auf der Haut zu wertvollen Relikten. Darauf baut sich eine neue Anmut auf. Der in sich gekehrte Körper verbirgt sich nicht. Im Gegenteil, er nimmt seine Geschichte an, frei von Zwängen und klischeehaften Blicken.
Deshalb vermittelt das Gemälde eine starke Botschaft der Akzeptanz und des Stolzes. Schließlich verleihen die Zeichen der Zeit dieser Figur ein ganz neues Licht. Dies beweist, dass jede Lebensphase eine erhabene Schönheit und eine tiefe Majestät birgt.
Werkstudie: Der Abdruck der Zeit und die enthüllte Schönheit
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Eine erhabene Innerlichkeit: Die weibliche Figur sitzt zusammengekauert in einem dunklen Sessel. Tatsächlich nimmt sie eine Haltung intimer Einkehr ein. Dieser sich selbst umarmende Körper zeigt keine Niederlage, sondern einen geschützten Raum der Besinnung, frei von klischeehaften Urteilen.
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Materie und Licht: Durch einen großzügigen Farbauftrag formt Valaine die Volumen mit sinnlicher Ehrlichkeit. Darüber hinaus wirkt das Licht wie ein wahrer Enthüller: Anstatt die Spuren der Zeit zu verbergen, beleuchtet es diese und macht sie zu echten Kraftlinien.
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Eine Allegorie der Resilienz: Dieses Werk bricht mit dem kulturellen Diktat der ewigen Jugend. Aus diesem Grund feiert es die Würde eines sich verändernden Körpers. Es verwandelt die Relikte der Jahre in Ausstrahlung, Ruhe und tiefen Stolz.
Valaine de Ranson
Barbara le Louverot
Barbara Le Louverot – Die Reliquien des Alltags und die modernen Vanitas-Motive
In einem gleichzeitig bissigen und tief melancholischen Register hinterfragt Barbara Le Louverot unsere Lebensweise durch das Prisma des Konsumwahns. Zunächst inszenieren ihre mit dem Spachtel in dicker Acrylfarbe gemalten Kompositionen Regale sowie Anhäufungen von Taschen, Schuhen und Alltagsgegenständen.
Tatsächlich sind diese Relikte unserer Innenräume kein einfacher Abfall. Sie drängen sich als die zukünftigen Signaturen unserer Existenz auf. Wie neue Vanitas-Motive bilden diese Ansammlungen archäologische Reliquien. Die Zukunft – oder eventuelle Entdecker von anderswo – wird sie entdecken, um unsere Obsessionen, unseren rasanten Lauf und die intime Spur unseres Daseins auf der Erde zu entschlüsseln.
Barbara Le Louverot: Moderne Vanitas und die Archäologie des Überflüssigen
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Eine Archäologie des Alltags: Durch eine spachtel-acrylgetragene, reichhaltige und großzügige Textur hinterfragt Barbara Le Louverot unsere Lebensweisen durch Anhäufung. Deshalb wirken ihre mit Taschen, Schuhen und Alltagsgegenständen überladenen Regale als zeitgenössische Relikte unseres Erd-Daseins.
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Moderne Vanitas: Infolgedessen stellt sich die Künstlerin – zwischen Sozialkritik und einem absurden Augenzwinkern à la Douglas Adams – vor, was extraterrestrisches Leben oder eine ferne Zukunft von unserer Zivilisation entdecken wird. Unsere überquellenden Schränke und Überkonsumationen werden so zu den neuen tragisch-komischen Signaturen unseres Daseins.
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Spur und Erinnerung: Schließlich verwandelt der prägnante Pinselstrich der Künstlerin unseren Abfall und die angesammelten Objekte in eine intime Reflexion, weit entfernt von einer einfachen ökologischen Bestandsaufnahme. Auf diese Weise flüstert jede gestapelte Tasche und jedes zurückgelassene Paar Schuhe eine menschliche Präsenz und hinterfragt, was wir als Erbe hinterlassen wollen.
Marie Isabelle – Das Lob der innegehaltenen Bewegung und die Erinnerung an den Ursprung
Zunächst fängt Marie Isabelle durch ihr in Acryl gemaltes Rotfeuerfisch-Motiv (die fliegende Rascasse) die Anmut einer ewig innegehaltenen Bewegung ein. Als im Jahr 2014 auf ihrem ersten handgefertigten Keilrahmen geschaffenes Fundament-Werk markiert diese Leinwand den Ausgangspunkt einer leidenschaftlichen Erkundung der lebendigen Welt.
Tatsächlich entfaltet die Künstlerin einen subtilen und akribischen Pinselstrich. Sie überlagert Schichten, um der Kreatur eine fast fossile und poetische Präsenz zu verleihen. Aus der Tiefe vor einem dunklen Hintergrund auftauchend, wird dieses aquatische Motiv zum zeitlosen Zeugen einer souveränen Natur, deren Relikte die Zeit mit intakter Majestät durchqueren.
Werkstudie: Aquatische Anmut und die Strenge der Geste
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Eine skulpturale Präsenz: Deshalb scheint der Rotfeuerfisch mit seinen wie Segel ausgebreiteten Flossen in einem zeitlosen Universum eingefroren zu sein. Der markante Kontrast zwischen dem dunklen Hintergrund und dem leuchtend blauen Boden katapultiert das Tier in den Vordergrund und verleiht ihm eine geheimnisvolle und monumentale Aura.
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Die Beherrschung der Materie: Obwohl das Werk in Acryl ausgeführt ist, um die Spontaneität des Strichs einzufangen, ist es durch sanfte Übergänge bearbeitet. Dies erinnert an die Tiefe der Ölmalerei. Darüber hinaus verleihen jede Nuance und jeder Farbeffekt dem Gemälde eine sinnliche und realistische Dimension.
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Die Spur der Zeit: Schließlich verkörpert diese emblematische Leinwand – im Februar 2026 im Château du Bois la Croix in Pontault-Combault ausgestellt – den Ankerpunkt des künstlerischen Weges. Sie lädt den Besucher dazu ein, die Beständigkeit wilder Schönheit angesichts der Zeit zu betrachten.
Marie Isabelle
Die Fortsetzung der Reise?
Die Erinnerung und die innegehaltene Zeit verlängern…
Während diese erste Durchquerung im Herzen der Körper und der Erinnerung – an der Seite von Gilles Roux, Valaine de Ranson, Barbara Le Louverot und Marie Isabelle – zu Ende geht, lädt Sie die Galerie Les Koronin ein, eine neue zeitliche Schwelle zu überschreiten.
Deshalb übernimmt vom 04. Dezember 2026 bis zum 04. Januar 2027 der zweite Teil der Ausstellung „Spuren der Zukunft: Der Abdruck der Zeit“ das Zepter. Tatsächlich wird dieses neue Kapitel unsere Erkundung zeitgenössischer Ruinen und des Menschen vertiefen. Dazu begrüßt es die Werke von Isabelle Morin, unserer künstlerischen Mitarbeiterin Team Lumen, sowie die von Artemis Irenäus von Baste und Tamhuy.
Schließlich geht die Reise durch Epochen und Materialien weiter. Bleiben Sie an unserer Seite, um die Fortsetzung dieses großen Freskos zu entdecken!
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